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Push up daisies (ou) manger les pissenlits par la racine?

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Push up daisies (faire pousser les pâquerettes) (ou) manger les pissenlits par la racine ?… signifie en anglais comme en français « être mort et enterré ».

Nous vivons dans une période spectrale, dans laquelle la mort, et la finitude de l’homme sont sans cesse énoncées et à certains endroits, consciemment planifiées. Dans SMATCH[2], nous passons par le relation sensible de l’homme aux végétaux et à la terre pour parler de la question de la vie même de l’homme et de son déracinement. Jardiner à la recherche de signes de vie en partant du milieu, afin de ne perdre ni les morts, ni les vivants. Le point de départ est un film où l’on voit, dans une chambre d’hôpital en Angleterre, un vieux monsieur caresser un âne dans le silence, pendant 8 minutes. C’est cette relation sensible de l’homme à la culture qui est explorée. Sa rupture avec l’expérience de la nature. L’écriture est basée sur des documents ou expériences scientifiques (un élevage de lombrics sur le plateau, une distillation de fruits récoltés avec une vieille casserole à pression, …), des récits populaires, la rencontre avec un âne qui favorise l’émergence de la mémoire, une ode à la pomme de terre, au vent ou au vers de terre.

Nous sommes toujours dans un lieu de travail. Le mobilier de laboratoire de SMATCH [1] est aménagé pour devenir une « arrière-cuisine-buanderie » liée aux activités de la campagne, en relation à la nature, là où la culture et la nature font bon ménage: un lieu de travail où rien ne se perd, un lieu de fabrication où l’on conserve, lave, recycle et transforme.

PRODUCTION

le CORRIDOR

Kunstenfestivaldesarts, Bruxelles
Théâtre de la Place, Regiothéatre o Regiodanse, Liège
Théâtre des Tanneurs, Bruxelles
KVS, Bruxelles

Avec l’aide de la Fédération Wallonie-Bruxelles / Service Théâtre et de la Région Wallonne
Avec le soutien de l’Hippodrome de Douai et de la Ville de Liège

CRÉATION ET DIFFUSION

mai 2011: Kunstenfestivaldesarts – Bruxelles
août 2011: Festival Mladi Levi – Ljubljana (Slovénie)
novembre 2011: Hippodrome, scène nationale de Douai
novembre 2011: Centre culturel de Hasselt
novembre-décembre 2011: Théâtre de la Place – Liège
décembre 2011: Centre culturel d’Eupen
décembre 2011: Theater aan het Vrijthof – Maastricht

spectacle reconnu dans le cadre des tournées Art & Vie

DISTRIBUTION

Conception : Dominique Roodthooft

Par et/ou avec: Didier de Neck, Lotte Heijtenis, Dominique Roodthooft, Mieke Verdin, Gordon Wilson
Violon, violon sabot et basse-aux-pieds: Stefaan Smagghe
Dramaturgie: Vinciane Despret
Aide à la dramaturgie: Patrick Corillon, Jean-Bastien Tinant
Composition musicale : Thomas Smetryns
Films: Sarah Vanagt (réalisation), Maxime Coton (son), Thomas Djekic et Anaëlle Marisa (chants)
Son, lumière, video, machinerie plateau et régie : Joël Bosmans, Pierre Kissling et Raoul Lhermitte
Aide à la scénographie : Claudine Maus, Valérie Perin, Marie Lovenberg et Cécile Sacré

EXTRAITS DE PRESSE

Broyer et s’accorder, le paradoxe de «Smatch»
«Push up daisies (ou) manger les pissenlits par la racine ?» est le sous-titre de «Smatch[2]» qui cette fois, s’axe davantage sur la nature, le végétal, et où la conceptrice cherche à éviter le simplisme, à nous ouvrir à tous les aspects de la vie qui ignorent la vision binaire ou abstraite du monde. Pour ne pas se contenter d’une indignation impuissante devant les images terrifiantes de la destruction d’une forêt séculaire. La scène sera d’ailleurs figurée – et filmée en direct – par un champ de brocolis décimés au couteau électrique.
C’est l’un des clins d’œil dont regorge le spectacle qui, pour autant, ne se réduit jamais à l’anecdote.
…
Dans les mélanges livrés ici, un théâtre neuf jaillit. Hors de la fiction, loin du jeu, mais au plus près de la transmission. En empruntant des propos, des concepts, des extraits de conférences (entre autre de Gilles Clément et son «Tiers Paysage», de Robert Harisson et son essai sur la survivance des forêts dans l’imaginaire occidental, du botaniste et biologiste Francis Hallé, spécialiste de l’écologie et des forêts tropicales humides…), Dominique Roodthooft réussit néanmoins une construction – quoiqu’encore fragile – surpasse la somme des parties. Une mosaïque cohérente qui n’oublie jamais la dérision. Une plongée concrète et poétique dans la pensée de ce qui nous fonde et que si souvent nous oublions.

La Libre Belgique, Marie Baudet, 19/05/11

De la sagesse de la pomme et du ver de terre
Dans le domaine de la performance ludique et intelligente, Dominique Roodthooft est un sacré cordon-bleu. Sa spécialité? Cuisiner en nous un certain optimisme critique.
…
Qu’on se rassure: loin des discours parfois lancinants et univoques, Smatch[2] expérimente, entrouvre des horizons inexplorés, cherche des endroits où inventer plutôt que dénoncer. Aux images chocs d’Al Gore et autres Yann-Arthus Bertrand sur l’état de notre «belle Terre», Dominique Roodthooft préfère mettre en scène la pomme de terre ou le ver de terre.
…
Tout est à l’avenant, nous prenant sans cesse par surprise au fil des discours philosophiques. On y croise une femme-arbre. On y interroge la volonté d’une pomme de terre. On y rencontre un âne thérapeute pour vieillards. On y apprend la fabrication des «seed bombs» (grenades de semences) et on y fabrique tornades, volcans et tsunamis. Le rapport entre la nature et la culture y est central, qu’on y parle de plantes vagabondes ou des pets de fromage. Comme quoi la biodiversité, ça pousse aussi sur les planches.

Le Soir, Catherine Markereel, 19/05/11

PRESSE

Victoire
26/11/2011
le Mad
23/11/2011
la Libre
23/11/2011
Ljubljana
26/08/2011
Ljubljana26/08/2011
Ljubljana26/08/2011
la Libre
23/11/2011
la Libre
26/11/2011
la Libre
19/05/2011
le Soir
19/05/2011
le Mad
18/05/2011
la Libre
11/05/2011
la Libre
04/05/2011
le Vif
29/04/2011
le Mad
02/03/2011
le Soir – Tous en scène
08/09/2010

Salle noire

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« Ma vie n’est qu’une illusion, dit la taupe au ver. Tout ce que j’aimerais bien tenir contre moi m’échappe des mains. Tu ne peux pas comprendre parce que tu n’as pas de bras ; mais tu vois, chez nous les taupes, c’est comme si nos bras avaient été placés à l’envers. Dès qu’on veut s’emparer de quoi que ce soit, nos mains l’écartent sur le côté. En même temps, c’est ce mouvement-là qui nous fait avancer. On avance à la recherche de quelque chose qu’on ne pourra jamais obtenir. » 

Poursuivant sa lecture, le petit tas d’os eut l’heureuse surprise de tomber sur une analyse développant les liens entre les aigles et les restes de leurs repas. Les aigles royaux peuvent contempler un temps infini les os de ceux qu’ils viennent de manger. Peut-être que cette forme de méditation leur permet de côtoyer en toute sérénité la mort qui rôde en permanence autour d’eux. « La mort, encore la mort ! Qu’est-ce que c’est que cette chose qui fascine tout le monde à part moi ? » s’exaspérait le tas d’os.

Excuse-moi, mon chéri, dit l’émeraude au bloc de craie, mais je retrouve enfin la liberté. Tu ne peux pas imaginer dans quelles conditions j’ai vécu jusqu’à présent. » Sans omettre le moindre détail, elle expliqua son extraction au fond d’une mine en Colombie, son voyage en Inde pour une première taille, son séjour en France où, prise en charge dans un atelier spécialisé, elle fut corrigée, polie, ciselée en mille facettes qui chacune relevait du grand chic parisien.

Le public qui se rend au corridor se retrouve dans un esprit d’aventure, va à la rencontre de « l’esprit du lieu », parce qu’il sait que dans cet endroit seront proposées des expériences variées et singulières : un spectacle en extérieur ou en intérieur, une soirée de témoignage ou de rencontre avec un·e créateur·ice ou des artistes résident·es, des jeux narratifs, des films d’animation produits au corridor, des visites guidées, des conférences performées…

  • Le public (adultes comme enfants) formera en quelque sorte une « classe d’expérience » dont le moteur sera la curiosité au sein d’un laboratoire d’idées
  • En ce sens, l’expression « arts et essais » pourrait convenir afin de désacraliser la notion « d’œuvre en soi », conçue pour être « consommée » par un public avant d’être remplacée par une autre. Les créations des deux artistes (Dominique Roodthooft et Patrick Corillon) sont imaginées comme des courroies d’entraînement, des engrenages, liés à d’autres artistes, d’autres institutions, d’autres partenaires qui vont permettre le plus professionnellement possible (c’est-à-dire avec le plus de rigueur, de responsabilité, mais également d’esprit d’aventure) des essais de nouvelles formes, de nouvelles narrations, de nouvelles collaborations. Les résidences, les accueils de stagiaires, les périodes de créations sont des moments de partage privilégiés. Le public pourra également prendre part à ce « laboratoire commun » au cours duquel le droit à l’erreur, mais aussi à la réussite reste envisageable à tout moment. L’art est vivant parce qu’il est en train de se faire, parce qu’il cherche à redécouvrir d’anciennes façons d’être au monde et à inventer de nouvelles manières d’y adhérer.

Le CORRIDOR ASBL - Siège social : Rue Vivegnis 411,
4000 Liège – Belgique - Tel : +32 4 227 77 92
Numéro d’entreprise : 0441 711 868 – RPM Liège
info@lecorridor.be - www.lecorridor.be
Banque : BE66 7925 8090 3043

l'Arbre à Clous

Spectacle déambulatoire « L’arbre à clous » prend racine dans une très ancienne tradition wallonne qui veut que, pour se libérer d’un mal affectant notre corps, on frotte la tête d’un clou à l’endroit de la douleur, puis on plante ce clou dans un arbre particulier sensé prendre la douleur en lui, nous libérant ainsi de notre souffrance.
Délibérément axé sur nos inquiétudes contemporaines (mais qui peuvent remonter à très loin), « L’arbre à clous » cherche des formes artistiques et politiques insoupçonnées qui nous aident à prendre soin de soi, des autres, de la Nature.

Mixture

Ces soirées sont des « spectacles sociétaux » qui embrassent un sujet touchant directement le « vivre-ensemble » et l’abordent sous toutes les coutures (informatives, poétiques, musicales, psychologiques, imaginatives, philosophiques et politiques).
Parmi les thématiques proposées : « Le nombre », « L’invisible », « Le vent », « Le chaud et le froid », « Le poids », « Les feuilles », « La mémoire et l’oubli ».
Les thèmes sont volontairement ouverts à de nombreuses interprétations pour donner à chacun.e des intervenant.e.s la possibilité d’incarner en toute liberté son propre point de vue.

L'Éponge et l'Huître

« Que faire des crasses qui nous traversent ? »
À partir de la métaphore de l’éponge et de l’huître (qui, en réalité, sont toutes deux des animaux filtrants), différent.e.s créateur.rice.s ont été sollicité.e.s pour interroger et activer artistiquement ce concept de filtrage : « À quoi fait-on attention, que choisit-on de garder, d’éliminer ou d’ignorer dans ce qui nous traverse ? » « Suis-je plutôt un filet de pêche qui ne capture que ce qui lui convient, une station d’épuration qui bloque ce qui ne lui convient pas ou un filtre qui laisse passer les flux tout en tentant de les infléchir vers ce qui favorise la vie ? »

Patua Nou

Les patua (conteurs originaires du Bengale) peignent eux-mêmes des rouleaux sur lesquels ils illustrent des témoignages, des contes ou des poésies qu’ils racontent sous forme mélodique en suivant du doigt la progression du récit. « Patua Nou » transpose ce principe de récit imagé pour créer de nouvelles histoires en lien avec l’exil au sens large. S’éloigner de l’actualité directe ne veut pas dire fuir le réel mais s’y confronter avec un regard bienveillant, questionneur, éloigné de la peur ou de la souffrance qui empêche de penser. L’exil comme mouvement vital et universel vers l’ailleurs.

Cocon

Lieu nécessaire à la métamorphose : Cocon !, c’est l’abri d’une promesse, l’expérience du devenir autre, le lieu d’incubation de tous les possibles. Une célébration de la transformation et du lien. Les œuvres et la vie de Judith Scott, artiste d’art brut devenue célèbre, sont à l’origine de la réflexion autour de Cocon ! Au centre, la question de l’abandon et du rejet des minorités, des êtres « inappropriés » tels que l’était Judith Scott, trisomique, sourde et muette, longuement éloignée de sa soeur jumelle dès l’âge de sept ans. Cocon ! se présente comme un laboratoire de recherche sur ce que génère l’histoire de Judith Scott.

Thinker's Corner

Allusion au Speaker's Corner de Londres, « Thinker's Corner » est une expérience d'art vivant et de savoir partagé dans l'espace public. De jeunes acteur.ice.s professionnel.le.s, placé.e.s derrière des stands de démonstrateur, prennent en charge et relayent la parole de penseur.euse.s et intellectuel.le.s de la société civile, citoyen.ne.s du monde, poètes, artistes. Les paroles choisies s'orientent vers différentes questions qui nourrissent un principe fondamental : celui de ne pas renoncer à l'espérance, de construire collectivement un « mieux » commun sans faire l'impasse sur la complexité.

Smatch

Les jardins qui embellissent notre Eden mortel sont la meilleure justification qui soit de la présence des humains sur terre. Là où l'histoire déclenche ses forces destructrices et d'anéantissement, il nous faut pour préserver notre santé mentale, sans parler de notre humanité, travailler contre elles et malgré elles rechercher les forces apaisantes et réparatrices et les laisser se développer en nous. C'est cela cultiver notre jardin. Sous la plume de Voltaire, l'adjectif possessif notre désigne le monde que nous partageons. Un monde pluriel prenant les formes que lui donne l'action humaine. En somme "notre jardin", n'est pas le lieu d'intérêts privés où chacun pourrait s'échapper du réel; "notre jardin" c'est ce lopin de terre inscrit dans un sol, en soi ou dans le collectif, où l'on cultive les vertus culturelles, éthiques et civiques qui sauvent la réalité de ses pires pulsions.»

"Robert Harrison : Forêts —
Réflexions sur la condition humaine."
Editions Champs/Flammarion

Dominique Roodthooft est actrice, metteure en scène et directrice artistique de la maison de création pour les arts vivants le Corridor à Liège.

Son travail, relève d’une écriture de plateau ou de montage de textes non théâtraux. Grâce à son premier métier – assistante sociale pendant huit ans dans un centre PMS – et les formations qui l’ont accompagnée, elle participe à une réflexion sur la pédagogie et la manière dont l’organisation ou l’institution peut transformer l’homme.

Depuis 2009, son travail artistique relève du gai-savoir et met en lien philosophes, cinéastes, plasticien·ne·s, citoyen·ne·s, poètes, sociologues, militant·e·s pour développer un même thème en composant avec chacune des individualités et leurs ressources créatives. L’équipe une fois constituée opère joyeusement des croisements entre les savoirs scientifiques (les savants) et les savoirs vécus (les sachants).

Ses créations qui donnent lieu à des formes variées ont notamment été présentées au Kunstenfestivaldesarts, au Festival d’Avignon (dans le cadre de la 25e Heure et dans le OFF : les Doms), au Théâtre de la Bastille, au festival Les Tombées de la Nuit, etc.… En 2020, elle crée L’éponge & l’huître, une visite guidée-spectacle, parmi des œuvres produites (graphiques, cinématographiques ou audiophoniques) par 26 créateur·rice·s qui activent la question des filtres et ce que l’on fait des crasses qui nous traversent.

Il vit et travaille à Liège et à Paris
Représenté par la Galerie In Situ — fabienne leclerc (Paris)
Il a suivi l’Institut des Hautes Études en Arts plastiques à Paris. (1989-90).
Prix de la Jeune peinture belge (Palais des Beaux-Arts de Bruxelles) en 1988
Prix Pilar Juncosa et Sotheby's à Palma de Majorque en 2012

En 2010-2011, il a été artiste professeur invité à l’école du Fresnoy.
Il a exposé à la Documenta IX en 1992, à la Biennale de Sao-Paulo en 1994, de Lyon en 1995, de Sydney en 2002 et de Bruxelles en 2008, Nuit Blanche à Paris en 2012, la Triennale de Folkestone en 2021.

suite...

Au cours de ses Vies en soi, Patrick Corillon puise dans sa propre enfance et mêle des éléments autobiographiques à la fiction. Si chaque récit explore un thème spécifique, tous parlent de quête d’identité. Il y est question de voyages – réels et intérieurs –, de rencontres, d’errances d’une ville à l’autre.

Dans l’amitié de mes genoux propose une expérience intime et sensorielle qui a pour but de plonger les spectateurs dans une histoire dont ils deviennent les acteurs.

Comme une invitation au mariage de l’art vivant et des arts plastiques, Tout un monde propose des moments de rencontre inédits autour d’objets (sculptures, peintures, dessins animés) et d’histoires racontées.

Chacun vit dans la compagnie de quelqu’un d’autre. Ce quelqu’un existe vraiment ; il se trouve à notre exact opposé sur la terre. C’est notre contrepoids. Si nous allons dans un sens, il va dans l’autre. Nous nous maintenons en équilibre. Parfois c’est nous qui menons, parce que nos intentions sont plus fortes que les siennes, parfois c’est lui. Nous le ressentons comme une ombre, et lui doit nous voir aussi comme cela. Mais nous sommes tous les deux réels. C’est la personne qui nous est la plus proche, et c’est la seule que nous ne pourrons jamais rencontrer.

Bibliothèques

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